Los 50 mejores discos de la historia

Mejores discos de la historia

En Dice la canción hemos hecho todo tipo de listas pero aún no hemos elaborado ninguna de los mejores discos de la historia y aquí la tenemos. No hemos realizado ninguna encuesta para tener la opinión del público ni nos hemos basado en ninguna otra lista sino que es una lista personal, mis mejores discos de toda la historia. En muchos estaréis de acuerdo y en otros no tanto pero en la variedad está el gusto ¿no?

En este artículo publicaremos 50 discos, empezando por el final de la listas en el que nos podemos encontrar toda una gama de estilos, desde el flamenco más arraigado, hasta el rap más duro pasando, por supuesto, por el rock y el pop. Sin más dilaciones os dejo con la lista. ¿Qué discos estarán entre los tres primeros? Habrá sorpresas.

Mis 50 mejores discos de la historia

50. Modern Vampire of the city – Vampire Weekend

Vampire Weekend ha conseguido con su tercer disco reafirmarse como uno de los grupos con más personalidad del momento. Con Modern Vampire of the City definen perfectamente los límites del estilo que habían marcado con sus anteriores discos, Vampire Weekend y Contra, dos discos muy parecidos con los que se introdujeron en el panorama musical con muy buen pie. Gracias a canciones tan buenas como Obvious Bicycle, Step o Ya hey, Modern Vampire Weekend fue una de las sensaciones del 2013 y marcará una línea a seguir en los próximos años para muchos grupos al combinar estilos africanos con voces propias del indie más pop. Para muchos es un disco más, para otros un disco que marca un antes y un después dentro del indie.

49. Tubular Bells – Mike Oldfield

Este disco pertenece a esta lista más por su contexto que por el disco en sí. El multi-instrumentalista Mike Oldfield compuso esta obra maestra con tan solo 17 años y tocó prácticamente todo lo que suena en las dos canciones que se divide el disco. Tubular Bells empieza con una melodía que nos transporta a un paraje oscuro titulado El Exorcista. El tema melódico sirvió como banda sonora de la película estrenada en 1973, al igual que el disco de Mike Oldfield. Tubular Bells contribuyó a que la música instrumental y progresiva llegará a todos los públicos. Prueba de esto fue el número uno que consiguió en Gran Bretaña. Y es que sus grandes melodías, sus cambios bruscos pero a la vez con una fluidez sublime, la gran instrumentación y un sinfín de detalles hacen de este disco un conjunto de estímulos inigualables que te hacen vagar por paisajes únicos.

48. Wish you were here – Pink Floyd

Uno de los discos por excelencia. Wish you were here es una oda a la música psicodélica. Y es que no podía ser menos. Un disco dedicado a Syd Barret, ex compañero de Roger Waters, David Gilmour y compañía no podría tener otro estilo musical que no fuera el psicodélico. “Brilla diamante loco” les canta Waters, Gilmour y Wright en la primera y última canción a uno de los fundadores de la banda. Una anécdota del noveno álbum de estudio de la banda inglesa es que en las sesiones de grabación Syd visitó el estudio y ninguno de los cuatro componentes reconoció al músico debido a su fatal aspecto – fue expulsado de la banda por su adicción al LSD. Qué más decir de este disco si escuchándolo lo dice todo.

47. An awesome Wave – Alt –J

Sublime. Imperial. Único. Muchos adjetivos calificarían este álbum, el primero de los ingleses Alt-J, pero lo que mejor calificaría este disco es el premio al mejor albúm del año de Inglaterra en 2012, y es que para que un disco sea el mejor de Inglaterra ya tiene que ser bueno. Con este aval debutaron los jóvenes de Alt-J y tienen ya el segundo disco debajo del brazo pero hasta entonces podemos seguir disfrutando de este gran álbum que contiene unas buenas canciones que al escucharlas en su conjunto las hace aún mejores. Un disco conceptual bajo un nuevo estilo.

46. De Palmas y Cacería – Pony Bravo

El sonido de Sevilla más renovado y actualizado que nunca. De Palmas y Cacería es el tercer disco de los sevillanos Pony Bravo donde la actualidad política y nacional son sus cimientos. El humor y la fiesta es algo que ya caracterizan a los Pony Bravo y como ejemplo encontramos la canción Mi DNI, nombrada la mejor canción nacional por una de las revistas con más prestigio de España. La crítica en tono de humor hace que no choque tanto al oyente, como es el caso de Eurovegas o Turista ven a Sevilla, canciones donde el análisis social y político desborda en todos los sentidos. Aún se encuentran de gira pero estamos impacientes por su nuevo trabajo. ¿A quién atizapán ahora?

45. Mapas – Vetusta morla

El segundo disco de Vetusta Morla supuso la consagración para la banda de Tres Cantos (Madrid). Se publica en 2011, tres años después de su primer disco, Un día en el mundo, tras varios meses produciéndolo. Podría decir que es un disco conceptual si no fuera por el corte entre las canciones. Mapas comienza con Los días raros, una canción en el que Pucho canta dirigiéndose a todos sus oyentes con una delicadeza sublime. Se nota que en este disco han derramado su ser, transmite algo, un mensaje indescifrable, pero transmite una esencia a veces oscura y otras armoniosa. Mapas es un disco completo y sin ningún tipo de complejos.

44. Imagine – John Lennon

Fue el primer disco que sacó tras la separación de The Beatles y no lo hizo nada mal sin sus compañeros. Los temas principales de Imagine son la paz, la guerra de Vietnam, y por supuesto el amor. Canciones como Imagine o Gimme some truth son un ejemplo de las ideas políticas y reivindicativas que en aquel momento tenía John Lennon. Este disco ha tenido colaboradores de lujo como el ex-beatles George Harrison, en el que toca la guitarra en How do you sleep?, canción que se mofa de Paul Mccartney. Jim Gordon y Alan White son otros de los colaboradores tocando la batería y percusiones. No puede falta la imagen de Yoko Ono al lado de John Lennon la cual produce Imagine junto al propio Lennon y Phil Spector.

43. Angles – The Strokes

Está claro que desde Is this it la moda rockera implantada por The Strokes ha ido desapareciendo al igual que su estilo simple, directo y sin florituras. En Anglés, su cuarto disco, nos encontramos con cinco jóvenes que ya no son lo que eran antes, no significa que sean mejor o peor, si no diferentes. Angles supone para el grupo de Julian Casablancas una transición hacia sonidos más experimentales, riff no tan sencillos y, lo más importante, variedad musical, concepto que en sus anteriores discos no asomaba ni por la portada. Taken for a fool o Machu Picchu son un verdadero ejemplo del cambio en el sonido en la banda americana debido a la introducción de efectos y sonidos más sintéticos. Hay canciones en las que destacan la influencias de otros artistas antes que el estilo propio de Strokes. En Two kinds of happiness vemos un guiño evidente a Queen y en Gratisfaction sobresale matices propios de Mika. Un gran disco en su conjunto que nos hace disfrutar de 34 minutos de buena música.

42. Poesía básica – Extrechinato y tu

Sí, como habéis visto he puesto antes el vídeo, pero por una buena razón. Me gustaría que antes de ver, escuchar y leer los siguientes discos le dierais al play en el vídeo de arriba.

Un buen día Roberto Iniesta tuvo la idea de hacerle música a las poesías de Manolo Chinato en forma de homenaje pero quedó a la deriva hasta que se unieron al proyecto Adolfo Cabrales e Iñaki Antón. Todos son nombres desconocidos pero si os digo que Extrechinato y tú está formado por la mitad de Extremoduro y la mitad de Platero y tú ya es otra cosa ¿verdad?. Desde que el Robe tuvo la idea en 1996, durante la gira de Extremoduro y Platero y Tú, de hacer este disco hasta que se publicó pasaron cinco años y algunas plantaciones de marihuana. Fito estaba pasando los últimos años con Platero y tú junto a Uoho Antón, quien pasó a formar parte de la banda de Extremoduro en 1996. Estos 3 músicos, con un mismo punto de partida pero en caminos diferentes, junto a Manolo Chinato, poeta, formaron Extrechinato y tu y grabaron Poesía básica, un disco de 10 canciones. Fito a la voz y guitarra es autor de las letras de dos canciones, el resto son de Manolo Chinato. Lo que adoro de este disco es la unión perfecta de las voces de el Robe, Fito y Manolo, fusión de poesía cantada y recitada. Esto sí que es un supergrupo

41. Requiem in D minor k626 – Mozart

Vale sí, se que no es un disco, es una sinfonía o música de misa, no lo tengo muy claro, pero lo que sí se es que es una de las mejores obras jamás escritas. Fueron las últimas notas escritas por Wolfgang Amadeus Mozart antes de morir y transmite toda su intención: la representación musical de la muerte del ser humano. El réquiem se estructura en 8 partes con la intención de interpretarlo una orquesta sinfónica. Las notas, silencios y ritmos están colocados perfectamente formando la cuadratura del círculo, nada que desentone, melodías alegres que entristecen y lágrimas que ponen la piel de gallina. La perfección de Dios y la perfección de la vida y la muerte hecha música.

40. Aproximaciones – Pereza

El cuarto disco de Pereza supuso la confirmación como uno de los mejores grupos de rock de la actualidad nacional. En sus discos anteriores se balancearon entre el pop adolescente y el rock setentero pero en Aproximaciones pulen su sonido y consiguen sonar como los Beatles y los Rolling Stones, aunque ellos reconocen ser más “Beatleros”. Y es que el disco se puede dividir entre canciones hechas por los Beatles y por los Rolling. Aproximaciones, Estrella polar, Por mi tripa, Dos gotas y Beatles son un claro ejemplo de que The Beatles fueron para Rubén y Leiva la mayor inspiración para grabar y producir este disco. En canciones como Superhermanas, 44. , Talibán y Huracán hay guitarras que parecen haber sido compuestas y tocadas por el mismo Keith Richards. A pesar de los parecidos obvios con los Beatles y los Rolling, las canciones suenan frescas, contundentes y directas y una gran parte de culpa de este sonido es de Leiva ya que su voz hace sonar bien todo lo que haga. Leiva le aporta una sensualidad a las canciones que provoca la sensación de inmiscuirnos en la historia que nos canta. Ya por último quiero recalcar que es un disco “casi producido” por Pereza y la mayoría de los instrumentos que escuchamos en cada canción están tocados por Rubén y Leiva.

39. Yeezus – Kanye west

Una dulce locura. Así definiría este disco. Kanye West nos presenta en Yeezus una serie de canciones innovadoras junto a colaboradores de lujo (Daft Punk, Justin Vernon, Frank Ocean). Como ocurre en el flamenco, en el rap las fusiones y mezclas de estilos no funcionan y resultan muy extrañas pero Kanye West ha conseguido que solo pase a veces, no siempre, como hizo Camarón. Yeezus ha sido producido por Rick Rubin (Red Hot Chili Peppers, Lady Gaga, Adele, Metallica, etc.) un productor que sabe muy bien a quién producir: artistas con una personalidad latente. En Yeezus Kanye West ha pervertido su estilo, no dejando indiferente a nadie. Durante 10 canciones podemos escuchar toda una gama de baterías electrónicas, cambios bruscos y forzados que aún así quedan bien, unos gritos desconcertantes junto a samples de todo tipo. En algunas ocasiones Kanye West crea una atmósfera agobiante, recargada, oscura y exasperante como en el caso de Black Skinhead, para mí la canción del disco.

38. Cuando el destino nos alcance – Lori Meyers

En el momento más oportuno y en el lugar adecuado publicaron Lori Meyers Cuando el destino nos alcance, su quinto disco. Dos años después de Cronolánea publican Cuando el destino nos alcance, un disco que refleja la actualidad musical en España. De 2009 a 2011 la música indie española ha dado el paso de lo urbano a lo popular y este disco es uno de los ejemplos más destacados. Cuando el destino nos alcance contiene 11 canciones en las cuales encontramos estribillos bordados con una melodía casi perfecta. Lori Meyers no hacen fusiones ni mezclas como en el caso de Kanye West, si no que ellos son el estilo. Es cierto que las canciones tienen detalles de algunos u otros estilos pero al fin y al cabo son detalles que se empequeñecen cuando avanza la canción. Rumba en atmósfera cero es el mayor ejemplo de lo que digo, pero en cambio si escuchamos Ventura todo lo que he dicho deja de tener sentido… hasta que escuchamos la canción entera. Las canciones que mejor acogida han tenido han sido Mi realidad y ¿aha han vuelto? pero para mí no hay una canción que destaque sobre las demás si no que el disco completo  es tremendamente bueno.

37. Born to die – Lana Del rey

El debut de Elizabeth Woolridge Grant, más conocida como Lana Del Rey. Tras una adolescencia difícil debido a su adicción a la bebida, Lana del Rey viaja a Nueva York para estudiar metafísica. Cuando su tío le regaló una guitarra descubre un gran capacidad en ella y tardaría poco en componer canciones, lo que hace que más tarde consiga un trabajo como cantante en algunos bares de Nueva York. Una noche un productor le ofreció grabar algunas canciones aceptando Lana Del Rey inmediatamente. Tras rodar por varias compañías discográficas por fin logra firmar un acuerdo con Strange Records para grabar su primer LP en el que incluirían 15 canciones compuesto por Lana Del Rey titulado Born to die. La voz tan peculiar, sensual y atractiva de esta artista le ha dado “la oportunidad de cumplir el sueño americano” como ella misma dice. Pero tras cumplir el sueño americano se tiene que marchar a Londres tras las malas críticas que ha tenido en Estados Unidos. ¿Será que EEUU no está preparado para Lana Del Rey o Lana Del Rey no está preparada para agradar los oídos estadounidenses?

36. Rage against the machine – RATM

Otro debut en la lista, esta vez el de Rage against the machine. Poca presentación necesitan estos 4 músicos. El grupo formado por Tom Morello y Zach de la Rocha tuvieron como carta de presentación diez canciones únicas. Unos riff potentes, sin complejos ni vergüenzas nos reflejan una evolución del rap hacia el metal más funk. Escuchando la primera canción del disco, Bombtrack, es como si hubiéramos escuchando un resumen del disco. Esto ocurre por estilo tan personal que tienen y sorprende que lo hayan derramado tan fiel a su imaginación. En cambio cuando escuchamos el disco entero es inevitable no darse cuenta de que son unos músicos extraordinarios, cada uno en lo suyo, y que uno sin el uno hace que este disco no suene como un regalo del cielo

35. The Wall – Pink Floyd

Que podemos decir de esta obra maestra. Este disco fue el último en el que están los cuatro integrantes aunque Richard Wright estuvo contratado como un músico más en vez de un integrante del grupo. The Wall está formado por dos discos y tiene la estructura de una ópera en el que Roger Waters se desnuda totalmente y nos canta todos sus complejos, traumas y problemas. Solamente con la música transmite una esencia traumática y oscura acompañada de unas voces y melodías complicadas de entender y de asimilar. The Wall supuso para Pink Floyd las dos caras de la moneda. Por un lado, el disco tuvo muy buenas críticas y a lo largo de los años se ha ido convirtiendo en un clásico que no puede faltar en la estantería de cualquier melómano, pero por otro lado la gira fue una apuesta demasiado grande y les llevó a la ruina. Una inversión millonaria en cada concierto no les fue rentable aunque a las décadas Roger Waters ha repetido la misma gira pero con unos resultados exquisitos debido al paso de los años y la mitificación del grupo. The Wall cierra para Pink Floyd el mejor capítulo de su historia donde en seis años publicaron The dark side of the moon, Wish you were here y Animals.

34. Congratulations – MGMT

De MGMT podría haber añadido también su primer disco Oracular Spectacular pero son unos discos tan parecidos que podrían formar parte de un doble disco. Su música se basa en la psicodelia, a partir de ahí juegan con cualquiera aparatito que haga ruido. Y es que a estos chavales les gusta más la experimentación que a Pitingo destrozar un clásico. El disco comienza con un riff, de los pocos que encontraremos fácilmente, acompañado de sintetizadores y teclados. Estos sí que son fáciles de escuchar ya que podría decir que la base de su música se basa en sonidos sintetizados y de teclado aunque también es cierto que utilizan ritmos pop lo que hace que sea mucho más fácil la escucha, al contrario que en su último disco llamado MGMT. En Congratulations nos encontramos canciones tan sencillas como It’s Working y Someone’s Missing y no tan sencillas como Flash delirium y Siberian Breaks. Esta última tiene una duración de 12 minutos y podemos encontrar de todo, totalmente recomendable.

33. In love – Peace

Seguimos con el pop y con la psicodelia, pero esta vez predomina más el pop con pequeños tintes de rock. Peace es un grupo muy joven que el año pasado publicó su primer disco titulado In Love. El principal motivo por el que incluye este disco es porque lo puedes escuchar de principio a fin sin que ninguna canción se haga pesada, es cierto que tiene subidas y bajadas, canciones mejores y peores, pero en conjunto es de los mejores discos que se han publicado en lo que llevamos de siglo. Estos chicos tienen un estilo muy definido y tienen claro cómo hacer canciones. No abusan de instrumentos y solo utilizan dos guitarras, un bajo, una batería y un teclado. Sólo con estos instrumentos parece que hay una decenas de músicos detrás de los altavoces. Canciones como California Daze, Bloodshake o Delicious destacan por las melodías pegadizas y facilones que se te meten en la cabeza y son casi imposibles sacártelas de la cabeza. Como ya he dicho este disco es de fácil escucha y en términos generales es un gran disco.

32. Inspiration information – Shuggie Otis

Más valorados por músicos que por la crítica. Este es Shuggie Otis. Quizás no os suene pero seguro que habéis escuchado mínimo una canción de este compositor y multiinstrumentista, sobre todo si habéis visto alguna película de Quentin Tarantino. La vida de Shuggie Otis antes de este disco fue muy ajetreada ya que desde muy joven ya tocaba con su padre en lo alto de un escenario. Como en el caso de Michael Jackson, el padre Otis estuvo muy encima de él para que llegará a ser el más grande viendo las capacidades que tenía. Con casi 20 años publica su primer disco. Este disco casi le lleva a entrar a los Rolling Stone. Cuando Brian Jones salió de los Rollings estos buscaban un sustituto y pensaron en Shuggie Otis pero éste no dudo ni un momento en declinar la oferta por lo que siguió con su carrera en solitario, y menos mal que cogió ese camino porque si no, no tendríamos la oportunidad de escuchar este discazo. El disco está repleto de guitarras que tocan un sinfín de estilos y acompañado de música y ritmos electrónicos. Esto en su época fue muy innovador ya que nunca antes se había mezclado la electrónica con el rock. Inspiration Information para muchos fue un estilo que no se llego a desarrollar, es decir, fue un disco que tan sólo le faltó el apoyo de la crítica para que llegara a la gente y se valorará como se merece. Recomiendo la escucha de Strawberry Letter 23 y la canción que da nombre al disco, Inspiration Information. Si quieres saber más de Shuggie Otis pulsa aquí.

31. Correos – Platero y tu

Correos fue el último disco de Platero y tú antes de que cada componente siguiera su camino. El disco se publicó en el 2001 y desde el 98 Fito ya formó los fitipaldis, Uoho desde el disco de Agila de Extremoduro es otro miembro del grupo y Jesús “Maguila” y Juantxu “Mongol” formaron un grupo paralelo llamado la Gripe. Tras años triunfando por toda España con su Rock Vasco decidieron hacer su último disco en forma de despedida, y vaya disco. Desde el comienzo de Cigarrito vemos que éste disco tiene algo. El rock and roll y el blues hacen de Correos un disco inigualable ya que lo tratan con una forma tan predecible y personal a la vez que hace que no puedas parar de mover los pies cuando lo estás escuchando. Las canciones que sobresalen son Entre dos mares, Naufragio y ¿Qué demonios?. Si no has escuchado este disco, ¿A qué esperas? Seguro que no te deja indiferente.

30. Magical Mystery Tour

Una gran banda sonora para una película no tan buena, así podría definir este disco. El albúm surge de la idea de Paul Mccartney de crear una película basada en The Beatles y su música. La película, titulada al igual que el disco, no tuvo una buena acogida tanto en el público como en la crítica pero no ocurrió lo mismo con la banda sonora ya que a lo largo de los años muchas de las canciones que contiene Magical Mystery Tour se han convertido en clásicos imprescindibles. El disco tiene una riqueza musical increíble, viajando de estilo a otro. En un corte podemos escuchar al Paul McCartney más meloso y en el siguiente al George Harrison más psicodélico. Magical Mystery Tour fue concebido en la etapa más creativa de The Beatles, en apenas 11 meses gestaron este disco y Sgt Peppers Lonely Hearts Club Band.

29. London Calling – The Clash

London Calling, el tercer disco de The Clash, supone un antes y después en la banda de Joe Strummer al introducir y combinar elementos pop, ska, reggae o soul con su propio estilo que ya había derramado en sus anteriores discos. Con letras muy críticas y comprometidas con la sociedad, The Clash nos regalan 19 canciones de los más variadas. He de hacer mención especial a Spanish Bomb, una historia situada en Granada en mitad de la Guerra Civil española. London Calling es un disco muy completo que nos hace volar durante más de una hora sobre el pequeño mundo que nos crea The Clash.

28. Reggatta de Blanc – The Police

Considerado el mejor albúm de New Wave, junto al disco que hemos visto antes, London Calling. Como su propio título indica, tiene una fuerte influencia del reggae, por eso el título del disco que traducido literalmente significa reggae de blancos. Este gran disco nos ha dejado canciones que no pueden faltar en cualquier lista de las mejores canciones de la historia; la canción más significativa de Reggatta de Blanc es Message in a Bottle, canción que cuenta la historia de un hombre perdido en una isla que envía un mensaje en una botella para ser rescatado. Walking on the moon es otras de las grandes canciones que contiene este disco, llegando al primer puesto en las listas de Inglaterra.

27. Velociraptor – Kasabian

Es el último disco que ha publicado Kasabian. ¡Y qué disco! Con la publicación de West Ryder Pauper Lunatic Asylum, la crítica aseguraba que Kasabian había tocado techo pero estos dieron un paso adelante y se han superado con creces. Velociraptor es un disco en el que podemos escuchar a bandas como Led Zeppelin, Rolling Stone o Radiohead bajo el catalizador de Kasabian, es decir, en este disco han sabido mostrar sus influencias musicales pero haciéndolo de una forma personal, dejando latente su estilo. En canciones como Switchblade Smiles o I Heard voices destaca la forma en la que han tratado la electrónica, enfocándola hacia una visión más rock. Han sabido utilizar muy bien estos dos conceptos, el rock y la electrónica, llegando a fusionarlos haciendo imperceptible los pequeños matices. Velociraptor no será el mejor disco de la historia pero sí es un disco que apetece escuchar en cualquier momento.

26. In the Court of the Crimson King – King Crimson

A cualquier grupo le encantaría debutar de esta manera. Lo malo de empezar con un disco de tal alcance es que es muy difícil superarse. Esto es lo que le ha pasado a King Crimson, que parece ser que al publicar este gran disco solo ha intentado en los discos siguientes avanzar y mejorar los resultados que dioIn the Court of the Crimson King, pero solo se quedó en intento. Este disco nos deja canciones memorables y ya eternas como es el caso de 21st Century Schizoid Man, una mezcla entre jazz y hard rock perfecta y en su justa medida. En el disco podemos encontrar cuatro temas más con un aura melodramática. Epitaph, tercer tema del albúm, denota una tristeza y melancolía que nos transporta a un mundo apocalíptico. Esto es lo que tiene este disco, que nos transporta a parajes insospechados y nunca imaginados. Totalmente recomendable.

25. Los sueños locos – Fito y Fitipaldis

El segundo disco de Fito con los Fitipaldis tras la separación de Platero y Tú. Con un sonido renovado pero con matices añejos, Fito publica en el 2001 Los sueños Locos, un disco que hizo que ganara importancia en el panorama musical nacional. El albúm es una oda a los clásicos estilos de la guitarra, desde el rock más puro hasta el country más americano pasando por supuesto por las canciones de cantautor. Algo tiene este bilbaíno para pasar de un estilo a otro en un santiamén y que todo le suene bien. La fórmula es esa técnica de tocar la guitarra. Alumno de la vieja escuela, lleva innato el rocanrol y todo lo que toca lo impregna de una mijita del ritmo americano; un ejemplo evidente es la canción instrumental  Alegría en la que hacen un juego de guitarra digno de admirar. En este disco encontrarás muy buena música, quizás no sea el más innovador o rompedor, pero nadie puede negar que lo que se escucha en Los sueños locos es de lo mejor que hay en España.

24. Brothers in arms – Dire Straits

Varios aspectos hacen que Brothers in arms permanezca tan fresco como siempre. El quinto álbum de Dire straits revolucionó el mercado discográfico al ser uno de los primeros álbumes en grabarse digitalmente y en llegar al millón de copias en formato CD. Otro curiosidad sobre este disco es que el videoclip de Money for Nothing, una de las canciones más populares del álbum  y del grupo, fue uno de los primeros en emitirse en la cadena norteamericana MTV. Como vemos, Brothers in arms fue uno de los protagonistas en el cambio en la forma de ver y tratar la música adelantándose de esta forma a su tiempo. Pero no dejemos a un lado la música, porque sin ella este disco no hubiera sido nada. Grandes clásicos de los ochenta pertenece a este disco. Walk of life, So far Away, Brothers in arms o, la nombrada anteriormente, Money For Nothing  han colocado este disco en los escalones más alto de la música actual.

23. Nevermind – Nirvana

Pasamos a otro disco que destaca sobre todo por su atemporalidad. Nevermind, aparte de introducir el grunge en la cultura popular ,hizo que los jóvenes del momento que se sentían desplazados y rechazados vieran que no estaban solos y que habían otras personas como ellos, donde poder identificarse. Dejando a un lado la música, el segundo disco de Nirvana ha sido uno de los álbumes con más repercusión de la historia. En cuanto a las canciones que contiene el disco poco hay que decir. ¿Cómo tres chavales pueden hacer canciones tan rudas, compactas y tan fuertes?, es lo que se preguntaba la sociedad en los años 90. Canciones como Come as you are, In Bloom, Lithium o la conocidísima Smell Like teen Spirit hacen de Nevermind uno de los mejores de la historia y aúpa a Kurt Cobain al olimpo de los Dioses del Rock (aunque esto último también tiene que ver con su suicidio).

22. Led zeppelin IV – Led Zeppelin

El disco por excelencia de Led Zeppelin. Tras un tercer disco que decepciona a crítica y público por igual, en 1971 lanzan Led Zeppelin IV, un disco que en su origen no tenía título. El disco comienza con Black Dog, un tema rocanrolero con pequeños destellos psicodélicos que nos transporta hacia el rock ácido de los 70. Continúa con otra de las canciones más famosas de Led Zeppelin, Rock and Roll, una canción que combina guitarras blues con una batería propia de los grandes del rock and roll creando un clima pesado que se acerca al hard rock. Uno de los temas que hacen de este disco una obra maestra es Stairway to heaven, una canción que supuso un punto de inflexión en el rock. Cabe destacar que esta canción nunca se editó en single por lo que aquí tenemos uno de los motivos por los que Led Zeppelin IV se ha convertido en uno de los discos más vendidos en las historia del rock.

21. Forever Changes – Love

Otra obra maestro de la música contemporánea. Forever Changes es un oda al movimiento que se vivía en el momento de su publicación: el movimiento hippie. El tercer álbum de Love transmite la esencia de una forma perfecta de los años 60´s gracias a canciones como Alone Again Or o The Daily Planet. Pero no nos podemos centrar en tan solo dos canciones porque en todo el disco se puede disfrutar de un aura psicodélica y única creando casi un estilo a seguir. El disco en el momento de su publicación no tuvo una buena acogida llegando a estar en el puesto 154 en la lista de éxito, pero a lo largo de los años se ha consagrado como uno de los mejores discos de la historia y así lo han reconocido revistas como Rolling Stone, situándolo en el número 40 de su lista de los 500 mejores álbumes de la historial.

20. S.C.I.E.N.C.E – Incubus

Qué decir del mejor disco de la banda californiana. Para muchos es el sonido que define a Incubus y para otros es un disco de transición hacia un estilo más personal e íntimo. Lo que si es cierto es que no deja indiferente a nadie. Los toques pesados de heavy y metal impregnan las doce canciones que conforman el disco, temas con una influencia preponderante de sus compatriotas californianos, los Red Hot Chili Peppers. Las bases funk que se aprecian desde el minuto uno serían una mera copia de los Red Hot si no hubieran incluido otros géneros como el jazz, techno, rock o heavy metal. S.C.I.E.N.C.E es un disco muy completo donde una canción te lleva inevitablemente a la otra creando al escuchar el conjunto un aura que da sentido y unidad al álbum. No es un disco conceptual pero tampoco es un disco que contiene doce canciones independientes una de la otra si no que guardan cierta relación en cuanto al sonido que crean.

19. The Resistance – Muse

Una obra maestra increíble. Un auténtico milagro. Es realmente sorprendente. Así definió la crítica internacional el ambicioso proyecto de Muse, el álbum The Resistance. Incluso antes de ser grabado, la prensa ya se hacía eco de la extravagancia y originalidad que iban a disfrutar los fans de la banda de Devon. Canciones pop, el rock más pesado, coqueteos con la instrumentación arábiga y hasta una sinfonía dividida en tres partes. Así se podría describir este disco que, a veces, peca de grandilocuencia y majestuosidad. Y aun así todo parece estar en armonía ya que ninguna canción, instrumento, nota e incluso sonido están de más, es decir, todo está perfectamente encajado para que el fan más melómano desengrane una a una las piezas de este gran disco.

18. Catch a fire – Bob Marley & The Wailers

El álbum que catapultó a la banda y a Bob Marley a la fama mundial. Tuvo que esperar cuatro discos para triunfar de forma masiva con su música. Con Catch a fire el reggae derrumbó todas las fronteras y se expandió como el agua por todo el mundo gracias a canciones como Stir it up o Kinky Reggae. Las nueve canciones que conforman el disco tienen una fuerte crítica social que se observa en las letras, compuestas todas por Bob Marley excepto 400 years, Stop that the train y Baby We’ve Got a Date. Marley invita con sus letras a pensar y reflexionar sobre un futuro optimista, libre de opresión y con una libertad garantizada. Pero, ¿qué serían de las letras sin la música que la acompaña?, ¿perderían el sentido o son las letras las que dan el sentido a la música? Desde mi opinión considero un todo la música que nos ha regalado este disco, la letra y la música se complementan y se definen la una a la otra porque, ¿qué sería del reggae si no hubiera un mensaje positivo?

17. Revolver –The Beatles

La segunda parte de Rubber Soul. El séptimo disco de The Beatles se podría definir así. Fue el segundo disco que grabaron sin tener interrupciones provocadas por las continuas giras. Para la grabación Revolver los cuatro de Liverpool tuvieron casi cuatro meses en los que experimentaron sin tapujos con toda la tecnología que la productora le ofrecía. De aquí nacieron grandes avances y técnicas que se haría a los largo de los años muy populares. Un buen ejemplo es la inclusión de pistas revertidas para dar un toque psicodélico. Pero no solo se dieron grandes avances en las técnicas sino también en la música al marcar las bases de la música psicodélica. Tomorrow Never Knows es la primera canción psicodélica conocida como tal. La instrumentación clásica en Eleanor Rigby o el rock ácido de Taxman son otro ejemplo de las bases que marcaron para la creación de nuevos estilos. Todo esto sin ser consciente de ello, para The Beatles todo era un juego.

16. Waiting for the sun – The Doors

Siguiendo con la psicodelia, no podía faltar este gran disco publicado en 1968. Waiting for the sun es una de las obras maestras de los angelinos. Fue el primer disco no anglosajón en convertirse en número uno en Inglaterra. Con este dato creo que se puede decir todo ya que hay que reconocer el buen gusto musical de los ingleses, por lo que el número uno de aquella época no significaba tan solo el primer puesto si no pasar a la posteridad. El tercer disco de la banda es una obra maestra muy criticada ya que la música no sirve de complemento a la letra ni viceversa, sino que actúan de contrapunto, es decir, las letras tienen una dimensión agria, dura y a veces oscura que contrastan con el sonido suave, fluido y tranquilo de la música. Es muy difícil conjugar lo duro y lo suave y que suene bien, por eso Waiting for the sun es uno de los mejores álbumes que podemos disfrutar.

15. Plastic Beach – Gorillaz

Tercer álbum de Gorillaz, la banda virtual liderada por Damon Albarn, alma máter de Blur. Este disco conceptual te lleva a un mundo peculiar donde convergen infinidad de estilos, desde música oriental hasta el rap más arraigado, gracias a los dispares músicos que colaboran (Snoop Dogg, Lou Reed, Little Dragon, etc). Las ventas y la crítica fueron benevolentes en el momento de su lanzamiento pero será el paso de los años quién sitúe a este disco donde se merece ya que sus innovaciones, en cuanto a la hibridación de estilos, han creado una línea de inspiración para los músicos futuros. Muy pocos artistas habían mezclado la música oriental y el rap en una canción y, además, que suene tan bien. Esto es solo un ejemplo de lo que se puede encontrar en Plastic Beach, un paisaje único que te invitar a viajar.

14. El camino – The Black Keys

Quién iba a decir que la música de los 50’s tendría cabida en la era de la música tecnológica. Estos dos americanos lo han hecho posible gracias, primero, a una gran producción, y segundo, a un puñado de buenas canciones que te hacen mover, aún si estás tendido en una hamaca de la playa tomando el sol. Canciones como Lonely Boy o Gold on the Ceiling son un ejemplo de lo que podemos escuchar en todo el disco, una oda al blues, rock and roll, rockabilly y al soul. Ya en sus anteriores discos podíamos escuchar algunos matices de lo que sería El Camino, pero ha sido en este disco donde han llevado al punto álgido su estilo, el estilo de The Black Keys.

13. AM – Arctic Monkeys

AM es el disco de Arctic Monkeys que más éxitos ha cosechado comercialmente hablando. Y no ha sido por el plan de marketing que ha seguido la productora si no porque realmente es un gran disco. R U Mine? fue el pistoletazo de salida. El primer single de AM se publicó meses antes al lanzamiento del disco y fue galardonado por la revista Rolling Stone como la mejor canción de 2012. Do I Wanna Know? fue el segundo sencillo que lanzaron. Esta canción describe perfectamente el aura del disco. La sensualidad y el descaro abanderan el quinto álbum de los de Sheffield.

12. Pet Sounds – The Beach Boys

¿Qué hubiera sido de la música si la banda de Brian Wilson no hubiera hecho Pet Sounds? No lo sabríamos  pero tengo una absoluta seguridad de que lo que escucháramos hoy sería totalmente diferente. Brian Wilson quería hacer el mejor disco de la historia. Y lo consiguió. Pero solo tuvo ese galardón meses ya que Paul McCartney al escuchar Pet Sounds quedó anonadado y se propuso el objetivo de superar el que es hoy el segundo mejor disco de la historia, según los votantes de la revista americana Rolling Stone. Los cuatro de Liverpool tomaron como punto de referencia este disco e hicieron su propio homenaje logrando superar con creces, como casi siempre hicieron, su fuente de inspiración. Estoy hablando del mejor disco para muchos de la historia de la música rock, Sgt Peppers Lonely Club Band.

11. La leyenda del tiempo – Camarón

Flamenco, rock, música india, jazz, blues, música tradicional e instrumentos psicodélicos. Estilos independientes que tienen un punto común: Federico García Lorca. Camarón no quería hacer cualquiera disco, no un disco más de su discografía si no “El Disco”. Para ello se rodeó de los mejores músicos de la escena nacional. Kiko Veneno, Tomatito y Raimundo Amador, entre otros, trabajaron durante meses con Camarón para ponerle música a las poesías de Federico García Lorca. El resultado es sublime, desgarrador, impresionante. Aún se me ponen los pelos de punta los primeros acordes de La leyenda del tiempo. Camarón se adelantó muchísimos años a sus compañeros de oficio y vio como el flamenco no era una música pura, sí en sí misma, pero observó que estaba abierta a todo tipo de estilos ya que si por algo se caracteriza el flamenco es por una estructura fácilmente moldeable. Este arriesgado disco tuvo unas críticas muy negativas en el momento de su publicación pero ha sido el tiempo, algo paradójico, quien lo ha colocado en el sitio donde se merece. Ya por último decir que me apena que en España no se valore este álbum por los prejuicios que se tiene sobre Camarón, uno de los grandes músicos de la historia, a la altura de Freddy Mercury.

10. McCartney II – Paul Mccartney

Es el tercer disco en solitario del bajista de The Beatles. Tras publicar el séptimo y último disco con su banda Wings Paul se encerró en una granja en Escocia con su familia como cuando The Beatles se separaron y grabó su primer disco en solitario titulado McCartney. Este disco es la continuación lógica de aquel albúm. McCartney II es uno de los mejores álbumes del de Liverpool. En él podemos escuchar la esencia más pura de lo que fue aquella época para el músico ya que dejó viajar toda su inspiración e imaginación, dejando total libertad para la experimentación de sonidos nuevos a través de sintetizadores y canciones instrumentales. Todos los instrumentos que escuchamos a lo largo del disco están compuesto y grabados por el propio Mccartney. Esto es lo que ocurre cuando un artista saca su obra desde lo más profundo de su interior.

9. Cheap Thrills – Big Brother and the Holding Company

Cheap Thrills fue el segundo y último disco de la banda Big Brother and The Holding Company con Janis Joplin, álbum con el que se consagró la Texana. Este disco fue todo un éxito en el verano del amor consiguiendo el número uno en la lista Billboard durante ocho semanas gracias a canciones como Summertime o Combination of the Two. La desgarradora e inigualable voz de Janis Joplin es la principal atracción de este disco repleto de canciones bluseras y con ciertos toques psicodélicos. Un disco genial con el que puedes disfrutar de la mejor música en directo.

8. Off The Wall – Michael Jackson

Funk, soul, disco y pop, mucho pop. Off the Wall fue para Michael Jackson el disco que supuso su madurez como artista y es que teniendo a músicos como Paul McCartney o Stevie Wonder a su lado muy pocas cosas podían haber salido mal. En canciones como Don’t Stop ´Til You Get Enough o Workin’ Day and Night podemos escuchar a un Michael Jackson mucho más personal que en sus anteriores discos. La libertad a la hora de la experimentación se muestra en pequeñas dosis de extravagancia del propio Michael. Un ejemplo es Off The Wall, una canción que recuerda a su mayor éxito Thriller.

7. Electric Ladyland – The Jimi Hendrix Experience

La mejor versión de la historia, uno de los mejores riff de guitarra, la primera canción que alude al rock progresivo, el mejor guitarrista de la historia… De todo esto y mucho más tiene el honor de presumir este disco, el último álbum de estudio de Jimi Hendrix. The Jimi Hendrix Experience fue publicado, al igual que Cheap Thrills, en el verano del amor, por lo que no se escapa del aura hippie y gran prueba de ello fue la presentación del disco en Woodstock. Este álbum contiene un buen puñado de las mejores canciones de aquella época, como es el caso de Crosstown Traffic, Voodoo Child o All along the watchtower, esta última considerada como la mejor versión de la historia.

6. Abbey Road – The Beatles

Desde la portada hasta la última canción hace de este disco una leyenda. Abbey Road fue concebido en las fallidas sesiones de composición del disco Let it be o por lo menos eso se puede ver en el oscarizado documental titulado al igual que el último disco publicado de los de Liverpool, Let it Be. Y digo publicado porque fue Abbey Road el último disco que hicieron The Beatles, no Let it Be. Tras las tensiones que hacían imposible trabajar de forma cómoda, Lennon y Paul propusieron a su productor hacer un disco como antes a lo que Brian Epstein aceptó encarecidamente. Abbey Road contiene canciones de casi todas las épocas de The Beatles, la mayoría de su viaje a la India. Canciones como Something, Come Together o Here Come the Sun han hecho que este disco sea uno de los mejores de la historia de la música.

5. Stadium Arcadium – Red Hot Chili Peppers

El noveno disco de Red Hot Chili Peppers abre el top 5. Con Stadium Arcadium la banda californiana llega a la excelencia al crear 28 canciones muy diferentes bajo un mismo concepto, el funk. En las dos caras del disco podemos encontrar temas lentos y acústicos, como Desecration Smile o Slow Cheetah, canciones  con ciertos toques punk, como Torture Me o el funk más arraigado con Tell me baby o Hump de Bump. Todo un paisaje musical que no hubiera sido posible sin la unión perfecta de Frusciante, Kiedis, Flea y Chad Smith. La experiencia, la compenetración y la complicidad entre estos cuatros fuera de serie fue clave para la composición de este disco, llevando siempre la improvisación por bandera. Stadium Arcadium ha supuesto un gran acercamiento de la música funk a nuevos estilos.

4. La Ley Innata – Extremoduro

Ocho años pasaron desde que publicaron su último disco, Yo, minoría absoluta. A Roberto Iniesta no le llegaban la musas y se tiró un buen tiempo en el dique seco, pero por decisión propia. No quería publicar algo que a él mismo no le convenciera. Hasta que dio con la tecla, ¡Y vaya tecla! El resultado fue un disco conceptual con una estructura similar a una sinfonía, sosteniendo el peso más fuerte de toda la obra en las letras. Esto no hace que la música este un escalón por debajo a las letras, al contrario. Las letras te guían cual argumento de una novela y la música te crea los colores. Extremoduro dio un duro golpe en la mesa e hizo que los músicos españoles se miraran en el espejo.

3. The Empyrean – John Frusciante

Este gigante desconocido de la música ha hecho uno mejores álbumes de toda la historia. Y al estilo Juan Palomo. Es ahí donde recae tanto mérito. John Frusciante ha compuesta todas las letras, ha tocado la mayoría de los instrumentos y se ha autoproducido. Nadie como él para entender su música. Desde el primer segundo rezuma un estilo único. Transmite una estética invisible, intocable pero que la puedes sentir gracias a la delicada voz,a los teclados experimentales y a unas líneas de batería disonantes que completan el sentido de la canción. Frusciante consigue plasmar a través de la música su momento personal, al encontrarse emergido en una gira internacional con Red Hot Chili Peppers que cada vez le está quemando más. Es un reflejo de lo que es él, un músico que prefiere vivir haciendo música  a repartir su música por el mundo. Un caso similar le paso al siguiente grupo.

2. Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band – The Beatles

Para muchos el mejor álbum de la historia. Sgt Peppers Lonely Hearts Club Band es una oda a la música, la conjugación perfecta de estilos, música en continuo devenir. Con este disco The Beatles consiguieron que quién lo escuchara se emergiera en un universo único de melodías quedándose atrapado como si de una sirena se tratara. Marcaron un antes y un después en la música ya que pusieron en la mesa diferentes melodías para después combinarlas a su antojo. Cada canción es un estilo. Pero no cualquier estilo. Ellos lograron bordar ese estilo musical que trataron en cada canción bajo su perspectiva lo que las hizo únicas. Pero este álbum no surge de forma premeditada, aunque algo de intención sí hubo. Paul Mccartney escuchó el disco Pet Sounds de The Beach Boys y quedó maravillado. Estuvo varios días con sus melodías en la cabeza hasta que tuvo la idea de crear un disco una narración enmarcada. Quería hacer el mejor disco de la historia.

1. The Dark Side of the Moon – Pink Floyd

Y el número uno es… The Dark Side of the Moon. No puede ser otro. Todo amante de la música que se precie ha escuchado este gran disco y lo tendrá en su top ten. La sensibilidad hecha música. Letras directas y sin tapujos bañadas con ciertos toques ideológicos que al hibridarse con la música hacen de las canciones un ensayo con paisajes psicodélicos. En este disco Pink Floyd encontró su estilo en la experimentación. Jugaron con el umbral entre la experimentación y el rock más puro, Money y On the run son los ejemplos más significativos. La música clásica también tiene un importante papel ya que muchas estructuras de las canciones guardan similitud con este estilo musical. The great gig in the Sky es una de la canciones que demuestran esta forma. Aún sigue inspirando este disco a los nuevos músicos para romper con las reglas establecidas en la música.